turnes

Mudanças!

2010-04-10T00:11:00.000-07:00

Mudei de endereço. Fui pro Wordpress:

www.turnesblog.wordpress.com

Nos vemos lá!

Roberto Carlos Especial de Final de Ano

2009-12-22T14:25:00.000-08:00

Imbuído pelo espírito natalino entrei num sebo e comprei o vinil Roberto Carlos 1977 por R$ 4,00 no cartão de débito.
O disco está perfeito, tem plástico d'A Discolândia e na capa assinado com letra de professora: Madalena 1977.
Fiquei imaginando que em dezembro de 77 Madalena, uma garota romântica de vinte e poucos anos, recebeu seu décimo terceiro da escola em que lecionava e correu pr'A Discolândia comprar o novo do Roberto.
Chegou em casa ansiosa e foi logo pra vitrola. Garota organizada ela obviamente começou ouvindo o lado A. Ficou animada com Amigo, a primeira faixa, achou bonitos os metais e carinhosa a letra falando de amor fraterno. O romance começava mesmo com Nosso Amor, na verdade o romance terminava, porque a música fala do fim, com refrão dramático e vibratos embargados.
Ficou intrigada com a letra de Falando Sério: não quero ter você por um programa/e apenas ser mais um na sua cama..., safado esse Roberto, e cantava cada vez mais bonito, com uma emoção contida mas tocante. Ela adorou que ele gravou uma do Caetano: Muito Romântico, sob medida pra ele, com aquela levada soul, e jeito cool e moderno de cantar. A mãe da Madalena adorou Solamente Una Vez. Ternura, uma linda versão de canção americana fechou o lado: agora você vem dizendo adeus/que foi que eu fiz pra que você me trate assim? deu uma dorzinha em Madalena.
Ela respirou fundo, pegou o lenço da bolsa, imaginando o que viria pela frente e mudou pro lado B.
Cavalgada era sexy, ousada, com metáforas despudoradas. Madalena corou. Não Se Esqueça de Mim pedia apenas para que o amor sobrevivesse na memória dos amantes separados, Jovens Tardes de Domingo falava de um passado inocente e luminoso que nunca mais voltaria...uma incrível sequencia de Roberto&Erasmo.
Parecia que Pra ser Só Minha Mulher, uma canção modernosa, cheia de pós-produção e efeitos na voz, era apenas um alívio preparatório pra pancada sentimental de Outra Vez, romantismo doloroso cantado como se fosse uma conversa direta, confessional e sincera. Madalena chorava enquanto Roberto desabava: decidi te lembrar quantas vezes eu tenha vontade/sem nada perder/só assim sinto você bem perto de mim/outra vez...
Sinto Muito, Minha Amiga terminava o disco com Roberto terminando o romance e se despedindo da ex-amada, a agora amiga do título. Um final surpreendente. Madalena se recompôs e guardou o disco com aquela sensação de que é bom dar uma choradinha de vez em quando, e se sentiu até meio tola por isso.
Bons natais eram aqueles da jovem Madalena. Os artistas populares eram criativos e talentosos, e os enfeites de natal não custavam 3 milhões. Velhos tempos. Belos dias.

Crepúsculo é ruim mesmo.

2009-11-15T05:31:00.000-08:00

Ontem passou no Telecine a estreia de Crepúsculo, o primeiro filme da série hype infanto-juvenil, inspirado naqueles livros escritos por uma moça de nome Stephenie Meyer.

Apesar de fã da mitologia vampírica eu nunca tinha visto esse filme por preguiça mesmo. Os livros mais preguiça ainda, imagina, prefiro Monteiro Lobato.

Mas o fato é que o filme passou na TV e eu e amiguinhos nos jogamos na cama e assistimos.
O filme é uma espécie de Malhação com excesso de maquiagem. Feito pra criar identificação com as garotinhas do ginasial, que andam pensando em transar mas acham que é melhor esperar a hora certa. Santa caretice. Porque vampiros pra falar disso?
A mitologia não é reinterpretada, é destruída em função de um pastiche romântico, quadrado e poeticamente pobre.
O terror em estado primitivo de Nosferatu. O tema do amor imortal, a mítica do sangue como analogia da vida e da morte, a analogia do sexo como redenção, que por exemplo foram tão bem desenhados em metáforas visuais destruidoras em Drácula de Bram Stocker. Mesmo as releituras modernosas e luxuosas de Entrevista com o Vampiro...esquece. Crepúsculo é um filme tosco, de efeitos simplórios e risíveis em sua tentativa de seriedade.
O roteiro, carente de alguma ação interna interessante além do blablabla teenager, enfia uns vampiros do mal (!?) para criar uma ou duas ceninhas de luta. Sim, porque aqui vampiros são ou bons ou maus. Os bons aprenderam a controlar seus instintos, vivendo relativamente bem adaptados à sociedade. Claro, quem não quer viver bem adaptado à sociedade, ser popular na escola, morar numa mansão de vidro estilo Casa Vogue? Os maus não tem casa, amigos descolados, e nem tem roupas tão legais.
Talvez o filme novo da série seja melhor executado, mas a "ideologia" que permeia as histórias é de enfiar o dedo na goela.
Olha, pior do que isso, só aquele Drácula 2000, que no final revelava que nosso vampirão tinha sido Judas, lembram?
Procura uma reinterpretação interessante do mito? Acho que a série True Blood é uma opção mais inteligente. O pouco que vi, me interessou mais que a ideia tola de uma saga como Crepúsculo.

- Bi, acho que a senhora se passou no pancake darling!

É bucha!

2009-10-23T10:25:00.000-07:00

Realmente andei afastado do blog nesse último mês. Mistura paradoxal de preguiça com muito trabalho, o que é sempre bom em se tratando de profissionais (bem) liberais, como eu . Mas, voltei! Voltei para aqueles amigos da internet, que tem algum interesse em saber como eu ando, notícias da minha vidinha, pelo menos da pública (Olha!... Ele tem vida pública!). Sim, porque da privada cuido eu.

Por esses dias ausentes deste espaço eu gravei o documentário Teatro Biriba: 40 anos de estrada. Filmagens em Curitibanos e Indaial. Dirigi junto com a Glaucia Grígolo e é a continuidade dos projetos que temos desenvolvido com essa cia de circo-teatro. Sempre muito emocionante, nossa amizade com a família dos Biribas e a dignidade e beleza do trabalho deles nos transforma toda vez que nos encontramos. Claro que eu atuei com eles, fazendo uma participação em Biribinha, o leiteiro do Warno. Nos últimos dias de filmagem, juntamos 4 diferentes gerações de palhaços descendentes do velho Biriba em cena, no mesmo palco. Foi demais, e o material que temos em mãos é deslumbrante. Começamos a editar em breve.
Em novembro vai ter Anjos do Picadeiro: Encontro Internacional de Palhaços em Florianópolis e vamos apresentar nossos documentários durante o evento. Esse ano esse festival vai homenagear os Biribas e o circo-teatro. Além disso, apresentarei quadros cômicos no Cabaré, um espaço de shows do encontro. Vai ser demais!

Tem muitas fotos num álbum do meu orkut! Olha lá.

A Morte do Palhaço

2009-09-10T06:57:00.000-07:00

Morte digna foi a do gênio Buster Keaton. Conta-se que em seu leito de morte estavam dois enfermeiros. Um deles tocou o pulso de Buster e exclamou com tristeza: "Acho que se foi". Ao que o outro respondeu: "Temos que tocar-lhe os pés, os pés dos mortos ficam gelados".

"Os da Joana D'arc não!", falou Buster Keaton. E morreu.

A Hora do Coveiro #2

2009-09-07T10:25:00.000-07:00

A nossa onda de amor não há quem corte

2009-08-23T12:17:00.000-07:00

Julio Barroso foi o disc jockey, jornalista e poeta que criou a Gang 90 & As Absurdettes. Ele escrevia as letras, cantava e bolava as apresentações.

As canções da Gang 90 & As Absurdettes misturavam new wave, que Júlio tinha conhecido em suas viagens a Nova York , com inspirações beatniks e coros femininos tipo B-52s. Em 1981 eles apareceram na vanguarda paulistana tocando na discoteca Paulicéia Desvairada e se tornaram conhecidos com Perdidos na Selva, que participou de um festival da Globo. Em 83 eles eram sucesso. Emplacaram Louco Amor na abertura da novela das 8 e tocavam nas rádios o hit Telefone. O vídeo da música é uma delícia de videoarte pop.

Pena que em 1984 Júlio foi encontrado morto. Aparentemente caiu da janela do apartamento em que morava em São Paulo. Emocionante esse relato sobre ele, no radiola urbana.

Sam Raimi e a volta da diversão no terror

2009-08-20T15:27:00.001-07:00

Arrasta-me para o Inferno é um divertimento terrorífico bem ao estilo trem fantasma alucinógeno de Sam Raimi.

Partindo do bom e velho mote do misticismo exótico, no caso as maldições ciganas, o diretor vai construindo suas sacadas criativas, ora partindo pro seu já conhecido cinema grand-guignol, com sequências que simpatizam com o cartoon (a cena da bigorna é clássica), obviamente uma dose cavalar de terrir, e litros de fluidos corporais nojentos. Os atores desconhecidos mantém o clima de filme B, tecnicamente turbinado pela computação gráfica e outras tecnologias que ainda nem existiam na época de suas primeiras pérolas como Evil Dead e Uma Noite Alucinante.
A bruxa da história é a mais divertida desde A Bruxa Má do Oeste que azucrinou a pequena Doroty.

Não gostei do excesso de sustos na primeira metade da história, alguns beirando o dispensável, e do ventinho maligno que me fazia lembrar de O Fim do Tempos (também conhecido como O Fim da Carreira do Cara que fez O Sexto Sentido).

Obviamente não vai agradar a "gente de cinema". Os cabeções interessados em terror com conteúdo devem esperar pelo Anticristo. Me refiro ao filme do Von Trier. Em tempos de porcarias sádicas a la Jogos Mortais e de vampiros teenagers bonitinhos, esse Arrasta-me para o Inferno é diversão pop macabra genuína, criada na mente bizarra de um digno artesão do terror.

A Hora do Coveiro

2009-08-08T06:23:00.000-07:00

Polanski, Macbeth, 1971

2009-08-02T07:53:00.001-07:00

Ando pensando muito nas adaptações do velho bardo para o cinema e resolvi assistir a versão de Roman Polanski para a amaldiçoada "peça escocesa".

Em Macbeth, o diretor utiliza com maestria o caráter sintético da mais breve tragédia de Shakespeare e constrói a narrativa sem rodeios, indo direto ao ponto central da ação da peça: a sequência sangrenta de assassinatos infames.

A carnificina que certamente levava o público elisabetano ao êxtase é relida em tom de grand-guignol que não ameniza a corporalidade dos assassinatos mas a traduz em efeitos realistas, próprios de uma abordagem cinematográfica. Sangue jorra aos cântaros, cabeças rolam, espadas atravessam os corpos sem pudores e sem concessões.
O surgimento do monstro da maldade, alimentado pelo veneno da ambição, surge numa atmosfera de horror. Uma variação da atmosfera que o diretor inventou em O Bebê de Rosemary, talvez ainda mais acentuada pelo medonho assassinato de sua então esposa, a bela Sharon Tate, por um bando de fanáticos religiosos comandados por Charles Manson, apenas 3 anos antes.

A ambientação é numa Escócia primitiva, brutal e selvagem. A chuva e a lama enfatizam o caráter depressivo e sombrio da fábula. Os nobres são guerreiros viris e bárbaros, que vivem um tempo de confusão entre a violência primitiva e a nobreza britânica de embalagem refinada.

As cenas com as bruxas são as melhores do filme, com destaque para a dantesca confraria que Macbeth encontra na charneca, quando volta em busca das Estranhas Irmãs para saber novas profecias. Um sabá macabro de bruxas nuas, misturando num caldeirão substâncias alucinantes que fazem Macbeth ver o futuro numa sequência de sonho psicodélico, envolvendo um parto cesareano e a célebre: "Não serás derrotado por homem nascido de mulher".

O fantasma de Banquo, o primo assassinado, também surge com potência visual na cena da festa, revelando a intimidade do diretor com a construção cinematográfica do medo, do sobrenatural e da perturbação psicológica febril (como em Repulsa ao Sexo, em que a mente doente de Deneuve cria monstros e conduz ao assassinato).
O Macbeth de Jon Finch é complexo e crível, em seu acentuado sotaque escocês. A Lady Macbeth de Francesca Annis apresenta uma contradição interessante: em sua aparência feminina e frágil, guarda a dose de perfídia necessária ao convencimento de seu marido para os crimes que se seguem. Na narrativa a transição para a loucura da rainha é aos saltos, o que demonstra de certa forma um pensamento de conexão do diretor em relação à fonte teatral da história.

Na peça de Shakespeare Lady Macbeth aparece relativamente pouco, se formos levar em consideração a fama da personagem, e sua perturbação vai sendo enfatizada pela força de suas entradas: a cena do desmaio, o perverso monólogo em que ela clama ao demônio que tire sua sexualidade para que tenha forças para o crime, a clássica cena do sonambulismo na qual ela tenta lavar o sangue imaginário de suas mãos.
As tensões entre as duas linguagens ocorrem todo o tempo, ora pendentes à teatralidade ora buscando uma certa pureza cinematográfica da ação.
Muitas das ações extra-cena da peça são mantidas extra-campo por Polanski. Por exemplo, como na peça não vemos o suicídio de Lady Macbeth em si, o que parece tentador de ser filmado. Vemos uma cena de loucura da rainha, que antecede gritos de desespero dos castelãos, o relato de um dos serviçais e depois o corpo contorcido da mulher no pátio do castelo. Entendemos que a rainha se jogou da janela da torre, pondo fim à dor de consciência que a enlouquecia.
Mas em outros momentos Polanski consegue de forma criativa tensionar as duas linguagens, a teatral e a cinematográfica, de forma a obter resultados muito fortes. Por exemplo, no texto original, antes de encontrar pela primeira vez as três bruxas, Macbeth vence uma batalha sangrenta e politicamente importante. No texto teatral, a batalha é apenas citada. Na adaptação de Polanski a batalha é construída de forma sonora. Durante os créditos iniciais, depois da primeira profecia das bruxas, a névoa toma conta da tela e ouvimos os sons bizarros da batalha: espadas, cavalos, gritos lancinantes. Ao fim dos créditos a névoa se dissipa e vemos o árido campo de batalha cravejado de pedaços de corpos e moribundos em agonia. O horrível da cena se conecta com a força do som da sequência anterior o que produz um efeito primoroso de diálogo entre o material original de Shakespeare e a adaptação para a tela.
O ponto mais curioso desse tema é também o maior desafio em uma adaptação de Shakespeare para o cinema: o monólogo interior, elemento narrativo teatral por excelência.
Como não colocar o personagem simplesmente falando sozinho, sem ação que não seja verbal (como nas adaptações com Olivier por exemplo)?
Polanski lança mão dos textos em of. O que no teatro é elocução, no filme é pensamento.O rosto de Jon Finch em primeiríssimo plano, seus olhos refletem seus pensamentos dolorosos enquanto o espectador, invandindo a mente do protagonista, escuta seus tormentos. Para enfatizar ainda mais essa opção em determinados momentos o personagem fala parte do texto e depois voltamos ao of. Claramente a opção muda a perspectiva da construção das performances. Os atores interiorizam, literalmente, os monólogos. Falam por dentro e às vezes esses pensamentos explodem em forma de palavra.
É uma espécie de pensamento em ação que resulta numa saída interessante para a adaptação, ainda que acarrete certas redundâncias interpretativas.

Pro Flávio

2009-07-30T16:00:00.000-07:00

Eu não gosto de stand up

2009-07-27T06:53:00.000-07:00

Por várias razões admiro meus colegas que fazem stand up comedy, os shows de humor de cara limpa. Primeiro porque é um gênero que escracha a personalidade do performer, visto que não existe aquilo que a gente chama de personagem, pelo menos no sentido mais usual do termo. Na verdade não existe caracterização, visto que a partir do momento que alguém está na frente de um monte de gente, com o adicional de um microfone ligado, obviamente encontra-se em estado de representação. Existe a construção de uma persona, digamos assim, que vai narrar pros espectadores mazelas do cotidiano em primeira pessoa. Não que um personagem tradicional não revele o ator por trás da máscara, mas isso é outro assunto.
Bom, voltando ao stand up: É preciso então simular uma espontaneidade, uma naturalização do texto e da presença, que permita uma identificação entre espectador e performer em um nível bem simples, primário mesmo. Como quando a gente se identifica com um amigo, sem muitos obstáculos, sem muita interpretação, sem poesia intermediando a relação: eu gosto e ponto.
Outro lance interessante é o texto, geralmente criado pelos atores, que na ausência da ação propriamente teatral, é o centro nervoso da performance. Daí as variações são enormes pois dizem respeito ao estilo de cada ator/redator. Atores que escrevem bem saem na frente com muita vantagem.
Outro fato admirável é o tino comercial desses colegas: é isso aí mesmo, cavando trabalho, descobrindo possibilidades de exercer a profissão. É muito digno isso. A vida não tá fácil e stand up é um gênero de produção simples que tá na moda. Sou sempre a favor do correr atrás.
Pode ser um show bem legal. Se estou no ambiente certo, geralmente um bar, vendo atores engraçados, se tomei uns uísques e estou de bom humor...e se o microfone é bom. Pode render risadas descompromissadas e entretenimento genuíno.
Mas... Eu não gosto de stand up.
Primeiro porque quase sempre imagino que tá faltando coisa: falta ação, falta luz, falta figurino, falta texto, falta música... Tá certo que o gênero é norte-americano e lá tem o Seinfeld e todos esses comediantes que foram criados nessa tradição e desenvolveram, durante anos de polimento de seus números, estilos muito próprios e marcantes. Acho que falta mesmo o hábito, e que está se criando uma prática. Bom, a começar pelo nome, o gênero não tem muito de brasileiro né? Porque o Teatro de Revista não volta à moda, hein?
Não é fácil criar um texto simples, popular, razoavelmente inteligente, pelo menos não muito grosseiro, que não seja muito "piada interna" nem muito "tirei da internet", surpreendente e ainda engraçado...e que tenha um fio de construção dramática que envolva os espectadores numa linha de ação e reação mais ou menos coerente. Desfiar piadinhas de salão (módulo gosto duvidoso) em série é fácil. Mas é tosco. O público até ri, mas convenhamos: pra fazer o público rir, sabemos todos, basta falar a palavra mágica: cocô.
Depois outra coisa, essa bem irritante: os não-atores gozadinhos. Com a moda vem esse tipo de coisa, o cara decorou os vídeos do carinha do CQC no youtube e acha que é artista. Não sabe se mover (ou não se mover) em cena. Não articula. Não dá nuances. Não olha pro público. Fala umas sequências de frases de efeito e na segunda-feira vai ser ovacionado na repartição. E a gente que estudou tantos anos pra aprender a subir num palco né?
Vou assistir uns documentários do Discovery e começar a fazer cirurgias cerebrais também, afinal eu sempre sonhei com isso: o glamuroso mundo da medicina.

A louca vida louca de Malcon - episódio perdido.

2009-07-10T11:49:00.000-07:00

SEQ 1 - INT/NOITE/CASA DA ANITA

Malcon e Renato assistem TV.

MALCON
Ai, tô com uma dor de estômago.

RENATO
Vai ver que é fome.

MALCON
Não, Renato (pausa dramática)... Eu conheço a dor da fome.

FLASHBACK: Música melosa dos anos 80. Malcon criança atua numa peça da escola. Ele interpreta um improvável menino de rua: lindo, loiro e gorducho. Ele sai de trás de uma árvore de cartolina e começa um discurso emocionado sobre as criancinhas famintas do mundo. A platéia começa a rir, inclusive os pais de Malcon, a Oma (a avó que já era muito velhinha nos anos 80) e a professora. Os coleguinhas no palco também caem na gargalhada, estragando a peça. Malcon está atônito.

FIM DO FLASBACK: Uma lágrima escorre pelo rosto de Malcon. Renato revira os olhinhos e muda de canal.

FIM

coluna anti-social

2009-07-09T13:56:00.000-07:00

Som & Fúria:

Primoroso o primeiro episódio da mini-série dirigida por Fernando Meirelles. Alguém me falou que talvez não tenha a mesma graça pra quem não tem alguma intimidade com o mundo do teatro. Respondi que não existe isso de mundo do teatro. O teatro é o mundo.

Funerais de Michael Jackson:
Ok, ele morreu, foi uma perda lastimável e eu fiquei muito triste. Mas chega né gente! ? A cerimônia transmitida pro mundo inteiro foi cafona e apelativa. Pra que botar a filhinha dele chorando ao microfone? E aquela família com cara de interesseira? Prova da imensa crueldade da sociedade do espetáculo.

Aniversário do Malcon:

Meu querido Flatmate vive agora seu retorno de saturno, e curte um ardente inferno astral. Pra amenizar as coisas dei de presente pra ele a caixa d'Os Trapalhões: 12 horas com o melhor do programa de TV. Quadros com espírito circense, paródias musicais, humor politicamente incorreto, os comediantes no auge da forma. Naquela mesma noite, quando eu vinha chegando em casa, escutei da rua o Malcon às gargalhadas. Legal quando o presente funciona.

La Gonga:

Não lembro direito.

Meu quadro novo

2009-07-04T14:05:00.000-07:00

...era um das camisetas que eu mais gostava. Mas ficou velha. De tanto usar ficou toda desbeiçada, além de manchada de desodorante nas axilas. E, bem, o Moz não merece isso. Merece um quadro bem bonito isso sim. Então cortei a estampa e tive a idéia. Ficou lindo e agora enfeita as paredes do meu quarto. Estou planejando fazer o mesmo com uma estampa do Boris Karloff...Bom, pra quem não sacou trata-se do cartaz estilizado de algum show e contém os dizeres "There is a place reserved for me & my friends: MORRISSEY - Paramount Theater, August 22nd". Eu sei que não dá pra ler, foto do celular do Malcon...Os tais amigos do Morrissey são outros dândis dos quais só reconheço Wilde. Quem tiver pistas dos outros, por favor..e não, não, o barbudinho não é o Rubens Ewald Filho, deus me livre.

O Estranho Making Of de Ângelo, o Coveiro

2009-06-30T06:00:00.001-07:00

Parte 1

Parte 2

Um adeus

2009-06-26T09:36:00.000-07:00

Do Rei do Pop eu lembro do compacto que a gente trocava por tampinhas de coca-cola: de um lado Billy Jean, do outro Beat It. Lembro das muitas festinhas em que todo mundo tentava imitar o moonwalk e toda sua incrível dança. Aliás a dança de Michael era genial e seu corpo hipnótico sobre o palco. Lembro de ficar acordado até depois do Fantástico pra ver a estréia do vídeo de Thriller, marco seminal da linguagem do videoclipe, e de ficar com medo. Da voz de criança prodígio que nunca cresceu a gente nunca vai esquecer, era pura musicalidade.

Claro que eu e todo mundo vamos lembrar pra sempre também dos seus tormentos, das suas perversões (mas quem não tem as suas que atire a primeira pedra), das suas bizarras auto-mutilações, frutos da rejeição a si mesmo. Podemos apenas imaginar a dor do ídolo. Toda essa história grotesca, potencializada ao máximo pela ferocidade do mundo, enfraqueceu mas nunca apagou a arte sublime de Michael Jackson. Que artista perde o mundo, disse Nero incendiando Roma.
Acordei hoje, depois do choque de ontem, melancólico, ouvindo You Are Not Alone, uma das suas lindas baladas. A notícia da morte do performer, pouco antes do seu anunciado renascimento com disco quase pronto, shows agendados e com ingressos esgotados, me fez pensar na brevidade da vida e na ironia que é a morte. No tempo que passa, mesmo para os deuses. É um triste adeus.

Teatro de Quinta!

2009-06-24T08:16:00.000-07:00

Foi um barato minha participação no Teatro de Quinta, o show de humor que está completando 5 anos de sucesso. O Seo Renato (não eu, mas o temível produtor do show) gostou e me convidou pra nova participação nos shows de agosto, que serão no TAC. E ainda pediu pra eu inventar mais dois personagens. Adorei, por que eu me diverti pra valer. Pra quem perdeu, mostro imagens do que eu aprontei nesses shows de junho:

"Vai Viver Valéria" é um programa de auto-ajuda em que Valéria atende telefonemas de pessoas com sérios problemas. A apresentadora se utiliza da metodologia do "choque de realidade" para ajudá-las a dar certo na vida. O Patrocínio é das pílulas Risotril.

Adilso é um bailarino hétero do Bolshoi. Ele não suporta a pressão e as risadinhas maldosas do público e sai do armário durante o show, assumindo corajosamente sua masculinidade.

O número final foi uma homenagem a Bollywood, e à força e alegria do povo indiano.

Um beijão pro elenco de quinta, que são piadistas de primeira e me receberam muito bem. Pro Seo Renato. E também pro Dani Olivetto, meu colega AACT (Ator Admitido em Caráter Temporário).

Ângelo, o Coveiro - arrebentou no FAM

2009-06-17T10:32:00.000-07:00

Foram 4 prêmios para Ângelo, o Coveiro no Florianópolis Audiovisual Mercosul 2009:
- Melhor Ator para Renatângelo Turnes
- Melhor Vídeo pelo Júri Popular
- Prêmio Quanta de Melhor Vídeo Catarinense
- Prêmio Kodak de Melhor Vídeo Catarinense.

Pergunta se eu fiquei feliz?

Iggy Pop - Preliminaires

2009-06-11T07:50:00.001-07:00

Meus amigos sabem que eu sou fã do Iggy Pop. Minha camiseta preferida é uma preta com estampa prata da capa de Iggy and The Stooges, ganhei do Marcelo. Ela é linda. Eu gosto tanto dela que sempre acho que a perdi. O Malcon fica rindo da minha cara: "Ai cadê minha camiseta do Iggy, minha camiseta do Iggy!" E ela está sempre escondida naquele amontoado de roupa que fica em cima da poltrona do quarto, sofrendo com a minha desorganização e esperando por mim.

Pois bem, baixei o álbum novo do velhinho e arrepiei. Quando a gente pensa que um artista como ele, na idade dele (uns 200?) não vai fazer muita coisa diferente do seu punk visceral e animalesco eis que ele nos mostra Preliminaires.
O disco é inspirado pelo som de New Orleans e pelo livro de Michel Houellebecq:A Possibilidade De Uma Ilha. Tem então um clima Jazz, outras vezes de chanson francesa, de Yves Montand a Piaf, o que dá um toque de puteiro dos anos 30, com aquela voz cheia de sexo do Iggy. Tem clássicos com interpretação sublime como em How Insensitive (Insensatez, de Jobim), que é de molhar de lágrimas o travesseiro.
Talvez os fãs mais puristas e nervosinhos não curtam, mas certo está o Iggy que afirmou não encontrar mais inspiração no rock e decidiu, depois de velho beber em fontes que ele considera mais puras.
Iggy, eu te amo.

A hora do Ângelo!

2009-06-02T07:25:00.000-07:00

Escrevi um texto sobre o Ângelo, O Coveiro - lá no Blog da Vinil.
Aguardo todo mundo na super festa de lançamento!

Hysteria

2009-05-31T05:59:00.000-07:00

O Palco Giratório do SESC trouxe pra Floripa a montagem paulista Hysteria, da Cia XIX. O espetáculo arrebentou no Festival de Curitiba há uns 4 anos atrás e de lá pra cá tem recebido críticas elogiosas por todo canto. Realmente o espetáculo faz jus às expectativas. Pensada para espaços não convencionais (em Floripa no Forte Santa Bárbara), sem qualquer recurso de efeito cênico, a montagem é conduzida por cinco atrizes que nos levam para o interior de um sanatório de fins do séc. 19. O público é divido em homens prum lado, mulheres por outro. As mulheres ocupam o papel de outras pacientes do hospício. Os homens são voyeurs. A simplicidade da montagem revela profundidade poética na medida em que as atrizes conduzem as espectadoras ao jogo da cena com suavidade, muito longe da imagem bruta e constrangedora do que se chama teatro "interativo". A interação é real, um acordo feminino e, nas melhores passagens, está organicamente relacionada ao texto e às ações das personagens. O texto é uma colagem diversa de relatos verídicos, poemas do séc. 19, criações do grupo, textos médicos e científicos, organizados na forma de relatos emocionais e sinceros. Emoção e graça percorrem a sala, quando percebemos que os limites entre ator e espectador são constantemente tensionados e nos envolvemos no trabalho denso (mas nunca aborrecido) e delicado das atrizes. Elas se comunicam com o público todo o tempo, estabelecendo cumplicidade, arrancando lágrimas e risos, despertando vontades e desejos, antes femininas que feministas, antes mulheres que atrizes. Espetáculo de construção sensível e coerente, que nega o excesso de formalismo em favor de uma emoção livre, e cria laços profundos entre cena e público. Lindo.

Mulher Objeto: pornochanchada cabeça

2009-05-23T08:36:00.000-07:00

Ganhei de presente do querido Tio Fê (Fernando Leão da Montanha) uma preciosa cópia de Mulher Objeto, uma das minhas pornochanchadas preferidas. O filme é de 1981 e curiosamente é dirigida por Silvio de Abreu (sim, o autor de telenovelas). É digamos assim uma pornochanchada pretensiosa em tons freudianos: Mulher bem casada (Helena Ramos) não sente prazer com o marido (Nuno Leal Maia, no auge da forma). Mas entrega-se a fantasias eróticas com qualquer homem que aparece pela frente. Tudo no plano da imaginação. Mesmo nas fantasias o prazer vem acompanhado por dor e repulsa. Atormentada, ela procura ajuda na psicanálise, através da qual vai descobrindo a origem familiar de seus traumas sexuais. Essas descobertas vêm em tom de suspense com cenas ao estilo Hitchcock, com música chupada de Psycho e tudo, e muitos simbolismos e metáforas simples. Resumindo: uma pornochanchada levada a sério, cheia de justificativas sub-textuais, com cenas bem filmadas e o característico "não-explícito". Dessa vez me saltou aos olhos (e ouvidos) a técnica de dublagem perfeita de Yara Amaral (lembra da atriz que morreu no Bateu Mouche? Ela está excelente como a mãe da protagonista). Naquela época som direto era uma prática pouco usual no Brasil e ator de cinema tinha que saber dublar. Cenas antológicas: o estranho fellatio com o encanador e a "cavalgada poética" , só vendo pra entender. Adorei Tio Fê. Lembranças de uma época fundamental do cinema brasileiro.

Palhaços Assassinos do Espaço Sideral

2009-05-20T06:31:00.000-07:00

"Eles estão mortos! Mortos! Foram aqueles palhaços assassinos. Nós vimos uma tenda de circo cair do céu, nós entramos nela e...é como uma nave espacial e.. eles estavam mortos, em uma espécie de...de cocoon de algodão-doce! É verdade! Help us! Eles são palhaços assassinos do espaço sideral...e tem armas de pipoca."

É mais ou menos assim que o mocinho de Killer Klowns from Outer Space (Chiodo Brothers, 1988) tenta fazer os moradores de uma pacata cidadezinha americana acreditarem em seu relato. Claro que ninguém acredita, até eu e o Malcon, meu parceiro de aventuras cinematográficas bizarras, demoramos pra acreditar no longa dos irmãos Chiodo.
Mas é isso mesmo, um bando de palhaços macabros cai na terra e elimina uma cidadezinha inteira com suas armas hilariantes. Tem de tudo do universo lúdico clownesco, sob uma ótica terrorífica: o supra-citado coccon de algodão-doce, pipocas assassinas, um sinistro número de sombras com as mãos, trapalhadas mórbidas, carro-de-palhaço superlotado, tortada fatal, número de ventriloquismo sanguinolento...
Digamos que é uma espécie do supra-sumo do trash com bom orçamento. Efeitos especiais ora propositalmente toscos, ora até bem-feitos (que os Chiodo Brothers treinam desde pequenos, como mostra os early-movies nos extras do bem equipado DVD), atores canastras, cenários alucinógenos hipercoloridos e um clima saboroso de fantasia macabra.
Sabemos que um palhaço pode guardar uma estranha aura de malignidade não é? De alguma forma a fantasia toca nesse medinho de palhaço que muita gente tem, e o leva as últimas (in)consequências. Demência!
Ah! O DVD foi adquirido na Cérebro, eterna fonte de bizzarias.

Superstar

2009-05-18T14:36:00.000-07:00

Até que me provem o contrário, nunca existiu voz mais triste que a de Karen Carpenter. E tenho dito.

Blacula!

2009-05-15T07:25:00.000-07:00

Pérola máxima do cinema Blacksploitation, mercantilização do movimento Black Power americano que criou coisas como Shaft, por exemplo. O longa de 72 se inspira no mito de Drácula para criar uma fantasia sobre um vampiro (na verdade um príncipe africano vampirizado pelo verdadeiro Conde da Transilvânia) que apavora a comunidade black de Nova York em busca da reencarnação de sua amada. É realmente muito tosco, mas vale pra ver de onde saíram todos os estereótipos de raça que vemos hoje na mídia. Claro, tem um clima de exaltação da beleza, ritmo e força afrodescendente. A melhor sequência é a da boate, com The Hues Company mandando ver, desfile de beldades e dançarinos arrasando na pista. Blacula chega no baile e ninguém repara na sua roupa cheia de babados...porque todo mundo tinha babados naquela época. Ah! E sim, eu tenho o DVD.

método carão de interpretação

2009-05-11T21:11:00.000-07:00

Lição 1 - I'm ready for my close-up, Mr. De Mille (História do Carão I)

Gloria Swanson é Norma Desmond em Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard), Billy Wilder, 1950.

Lição 2 - Introdução ao Bette Davis Eyes ( Seminários Performáticos)

Bette Davis é Margo Channing em A Malvada (All About Eve), Joseph L. Mankiewicz, 1950.

Lição 3 - Estapeamento de portador de necessidades especiais (nível avançado).

Bette Davis é Jane e Joan Crawford é Blanche em O Que Terá Acontecido a Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?), Robert Aldrich, 1962.

Eu, personagem

2009-05-08T06:26:00.000-07:00

O que se chama personagem é uma escolha consciente de formas, uma criação artificial e visível guiada por um roteiro, texto ou idéia. Ele existe sob o ponto de vista do espectador que se envolve na ilusão da ficção. Mas para o ator, personagem é ferramenta, não criatura. Para o intérprete o que se chama personagem é justamente a tensão polimórfica entre o que o ator é e essa forma inventada. Para o ator não existe personagem, no sentido romântico de ser independente, com vida própria...não existe isso de "ele faria assim, ele nunca diria isso...", isso é balela mediúnica. Existe a pessoa-ator vivendo uma situação física e psicológica inventada. Isso pode parecer aos mais ingênuos uma simplificação excessiva, uma limitação. Então todos os personagens vão se parecer demais com o ator? Seu trabalho não terá diversidade, será limitado? A questão é que parecer não é ser. O que aos olhos dos outros parecemos nunca é o que verdadeiramente somos. Um ator cria formas para alcançar o que não se vê. O personagem traz à tona o homem por trás das ações, algo que já existe mas esquecemos, e que é muito diferente de nossa persona social. Sempre falo na primeira pessoa: atuo no limite, na região fronteiriça entre eu mesmo e a ficção. Atuar não se trata de mascaramento, mas de desnudamento. Um ator não se esconde atrás de um personagem-máscara que o domina, ao contrário, ele domina as ferramentas técnicas necessárias para revelar a si mesmo, sempre novo, através daquilo que o espectador vê como "o personagem". Aí reside o paradoxo: o trabalho de um ator está em ser, nunca em parecer.

Bergman, Sonata de Outono

2009-05-07T05:14:00.000-07:00

Eva (Liv Ullman) é uma introvertida dona-de-casa, que vive numa cidadezinha do interior da Noruega com seu marido, um pastor protestante. Charlotte (Ingrid Bergman) é a mãe, uma pianista famosa, mulher cosmopolita e esfuziante. Há 7 anos mãe e filha não se encontram. Sonata de Outono, obra-prima de Ingmar Bergman, acompanha o reeencontro das duas mulheres e nos conduz pelo dilacerante acerto de contas que se segue.

O diretor constrói o filme a partir do irretocável desempenho das atrizes, que vão revelando gradativamente o turbilhão interior de suas personagens. Liv Ullman é a encarnação do drama bergmaniano, sua Eva é um poço de sentimentos acumulados e dores esquecidas, que busca no confronto com a mãe alguma espécie de libertação. Ingrid Bergman, em seu derradeiro trabalho no cinema, consegue de maneira virtuosa alcançar, em closes milimétricos, a dose exata de culpa, rancor e ausência que move sua personagem.

Duas sequências magistrais não saem da cabeça. Numa delas mãe e filha revezam-se ao piano e tocam um Prelúdio de Chopin. Enquanto sua mãos executam a música seus rostos nos levam para dentro delas e para a tragédia de suas vidas. A mãe é uma artista capaz de entender as entrelinhas mais sutis do compositor, mas incapaz de perceber a filha como igual, depositando nela o peso de suas enormes imperfeições. O fracasso de uma é a vitória da outra. Depois, durante a noite, mãe e filha travam o violento diálogo que as conduz ao passado, às memórias dolorosas da infância e às tragédias do presente. Eva explode, gritando por ajuda. Charlotte envelhece a cada plano, tomada pela culpa e o arrependimento.

Filme adulto e amargo, muitas vezes claustrofóbico e angustiante, é perfeitamente condensado em 90 minutos de ação interior ininterrupta. O que poderia ser intransponível, é denso mas envolvente. A música jamais é um elemento melodramático, nunca serve para enfatizar emoções, mas perfaz uma função poética e sensorial. A luz é outonal, seca e amarelada. As atrizes atingem algo de dolorosamente sublime. O fim é cruel, nada redentor. Obra que dura por dias após assistirmos e equivale a muitas sessões de análise.

Dr. Jekill and Mr. Hyde - 2 versões

2009-05-05T07:14:00.000-07:00

Assisti a edição dupla em DVD, com as versões clássicas em P&B de O Médico e o Monstro.

No lado A, a versão de 1932 com Fredric March dando um show de composição que lhe valeu o Oscar daquele ano (fato raríssimo em se tratando de uma obra de cinema fantástico). O filme de Rouben Mamoulian adapta a novela de Stevenson com muita inventividade. Apesar do natural excesso de teatralidade nas interpretações e diálogos, o filme brinca com a linguagem cinematográfica em deliciosos truques artesanais (como a subjetiva da sequência inicial, com o clássico truque do espelho falso), transições de cena que lembram a linguagem dos quadrinhos, cenários grandiosos, belas sombras expressionistas e cenas de forte apelo sexual (sempre muito elegantes e metafóricas). E as cenas de transformação são no mínimo surpreendentes. Descontando-se o excesso de baton e lápis de olho, Fredric March cria um Mr. Hyde animalesco, meio símio, engraçado e assustador, com uma movimentação explosiva, cheia de energia, em contrastes com a contenção classuda de Dr. Jekill. Bela obra, que na época chocou as platéias.

No lado B, o filme de 1942 reconta a história dessa vez dirigida por Victor Fleming, o criador de ...E o Vento Levou. O diretor segue a cartilha do cinema clássico americano o que resulta numa linguagem mais quadrada, ainda que algumas sequências da versão anterior tenham sido literalmente reproduzidas. Muito fog londrino, pouca atenção ao efeitos especiais e um elenco estelar, que salva a obra do marasmo: O astro Spencer Tracy nos dá uma interpretação moderna para a época, mais realista e sem os exageros de March. A caracterização de seu Mr. Hyde é sutil, guardando a transformação para um plano mais interior (nessa época a psicanálise já invadia as abordagens para a história). Lana Turner faz a dondoca doce e compreeensiva, a amada virginal do Dr. Jekill, e compensa a chatice da personagem com sua fotogenia deslumbrante. Quem rouba a cena é Ingrid Bergman, esbanjando personalidade e carisma como a mulher mundana, vítima fatal do algoz Mr. Hyde. O jogo de sedução entre ela e Tracy, cheio de diálogos ousados de duplo sentido, deve ter corado a platéia dos anos 40. Hoje nos lembra do talento imortal de uma deusa.

Mozz (ainda e sempre)

2009-05-03T10:55:00.000-07:00

PERGUNTA - Se você ficasse feliz, teria menos a dizer?
MORRISSEY - Estou disposto a correr esse risco.

em recente entrevista a Benoite Sabatier, publicada na revista francesa Technikart e reproduzida no caderno MAIS da Folha de 15 de março.

só

2009-04-30T01:06:00.000-07:00

Edward Hopper - Hotel Room

Be My Baby

2009-04-29T12:23:00.000-07:00

Todo mundo sabe que Back to Black, o celebrado álbum de Amy Winehouse deve sua estética e sonoridade àqueles girls groups dos anos 60, a quem a estrela doidona presta reverência. Está tudo ali: a postura, a dancinha, o cabelão, o soul de canções de amor perdido, e sobretudo, o vozeirão negro rasgado e emocional.

The Ronettes era um desses grupos, sintam o hit das garotas Be My Baby e reparem na fonte em que Amy bebeu demais (ops!). Essa música já é trilha de um projeto futuro faz tempo, não posso adiantar nada, mas quem vai cantar é a Milena Moraes (tá, meu bem?):

Encontrei no youtube, o áudio de Ronnie Spector, a voz principal das The Ronettes, entoando Back to Black (e emendando com um sucesso de seu antigo grupo). Amy falou que escutava Ronnie na infância e a mestra homenageia a discípula. Muito bom.

Falar nisso, esperamos todos ansiosos o novo álbum de Amy. Cadê? Ela que não me venha com reggae.

Mi Muñequita, a tourné

2009-04-27T05:47:00.000-07:00

Peço desculpas para a minha meia dúzia de leitores pela ausência, mas estávamos eu e a equipe de Mi Muñequita em turnê por Santa Catarina, através do projeto EnCena Catarina, do SESC. Foram 16 cidades, 17 apresentações, em 20 dias.

Sabrina Gizela, a "bonequa maldeta" assombra um banheirão em alguma cidade do interior

Trampo pesado. Teve de tudo: espaços muito diferentes (rolou até um ginásio de esportes em Tubarão), excesso de convivência entre personalidades fortes (sob controle), casas lotadas e espetáculos lindos. Tenho realmente muito orgulho pela direção artística do projeto e pelo sucesso todo. Depois desse intensivão os atores estão cada vez melhores, a encenação mais afinada e aos poucos sinto que posso ir largando o osso e deixando o espetáculo caminhar por conta própria, sob os cuidados da produção executiva. Acredito que o trabalho do diretor vai até certo ponto, e que um espetáculo é que nem filho, primeiro é dependente, depois cresce e amadurece, cria uma personalidade. A gente cria pro mundo. Claro, de vez em quando aparece pra dar uns conselhos, pra ver se tá tudo bem, e dar um colinho.

Acompanhem o blog: www.mmunequita.blogspot.com

Tenho a impressão que muitas coisas boas vão acontecer com Mi Muñequita, fiquem de olho.

Morrissey

2009-04-01T07:53:00.000-07:00

Morrissey segue sua brilhante carreira, envelhecendo sem medo e sem plástica. No recente Years of Refusal ele exibe sua vigorosa banda com peso na medida certa, preciosos vocais com os característicos e arrepiantes falsetes e os velhos temas obsessivos que nos arrebataram na adolescência, agora revistos sob a sombra acolhedora de sua (e da nossa) maturidade. Não páro de escutar e quem sabe agora eu dou um tempo de You are the Quarry, o triunfal álbum de 2004, que já furou no meu som. Pros que dizem que o dândi faz sempre o mesmo disco (e não sabem o que dizem), uma audição mais atenta revela antes um depuramento de estilo que uma acomodação sobre fórmulas consagradas. Ele não se preocupa em fazer diferente, e cair nesse ecletismo inócuo e fake que comanda carrreiras no universo pop, mas em fazer o que sabe cada vez melhor. Sua poética continua sublime, cheia de odes aos frágeis e solitários. Continua também sua pose de rejeitado, apesar da legião de adoradores que se joga no palco de seus shows, oferecendo um abraço para confortar o ídolo e a si mesmos. Tanto amor não é suficiente para aplacar a melancolia que o impele à criação. Muito digno. Tudo que vem de Mozz continua sincero e tocante, afirmando sua condição de artista único no cenário plastificado da música atual. Fico torcendo (muito!) por um show no Brasil.

A nova geração já sabe o que é bom! (cortesia da Vanessa)

Tarantino - Death Proof

2009-03-29T19:16:00.000-07:00

Mostrei pro Malcon À prova de Morte, a metade Tarantino de Grindhouse. Eu já tinha visto há mais de dois anos atrás no Festival do Rio e inexplicavelmente o petardo nunca estreou comercialmente no Brasil, ao contrário de Planeta Terror, a metade Rodriguez do projeto. O filme é um hino gore ao girl-power, cheio de referências cinéfilas, auto-citações do diretor, sensual, divertido e catártico. As mulheres são livres e gostosas. O primeiro acidente é brutal. A trilha é como sempre um tesouro perdido do juke-box maldito do diretor. E a sequência final...bom, a sequência final é a mais delirante perseguição que eu já vi, simplesmente impressionante. No cinema dei gritinhos de u-hú. Em casa também.

A bela Sidney Poitier (sim, ela tem o mesmo nome do pai famoso) imita a foto gigante de Bardot no espetáculo B de Tarantino.

Public Art #2

2009-03-29T15:49:00.000-07:00

[essa eu fotografei, no Rio em dezembro]

Clint Eastwood

2009-03-27T13:34:00.000-07:00

Clint Eastwood é uma espécie de monumento. Alguém já falou que ele é o último elo entre a tradição e a modernidade no cinema americano. Penso que é um pouco assim. Gran Torino é uma reflexão sobre a decadência moral e econômica de um lugar, sobre velhice e tolerância. Um pouco como em Sobre Meninos e Lobos, o personagem central vive um dilema sobre a vingança, tema caro aos personagens trágicos. A sombra do justiceiro acompanha o ator (afinal...ele é Dirty Harry) o que impõe de imediato a força de sua presença em cena. Mas a discussão do filme vai além dessa imagem e mostra as transformações da personalidade endurecida do velho a partir do choque com seus vizinhos imigrantes. Segundo declarações recentes do mítico ator-diretor Gran Torino é sua última atuação, apesar da excelente forma aos 80 anos. É uma digna saída de cena. Melhor não perder.

public art

2009-03-25T10:22:00.000-07:00

{roubada do esquerda festiva}

coadjuvantes?

2009-03-24T17:22:00.000-07:00

Em O Lutador Mickey Rourke consegue ser delicado por trás daquela cara destruída por porrada, bebida e plástica. Ele se move natural no filme, vemos que tudo que faz é muito ele mesmo, tudo vem de profunda identificação. Um monstro cansado de guerra, incapaz de resolver as coisas mais simples e essenciais da vida. Mas Marisa Tomei cria nuances tão preciosas e surpreendentes, que fazem de seu papel "secundário" uma bela demonstração de compreensão do personagem, sensibilidade para expressar contradições, e entender as coisas da vida, enfim. E a vida é dura com esses personagens. Ambos tentam superar a decadência do corpo e dos sentimentos, à procura de alguma redenção impossível. Eles são fortes e fracassados. Vivem simulações que já não podem esconder a própria dor. Nessa linha Marisa Tomei constrói sua personagem cheia de tons, sempre coerente, bonita e emocionada. Muito bem dirigida por Mr. Aronofsky, diga-se de passagem.

A Bela e a Fera de O Lutador

Assisti Dúvida querendo ver duelo de interpretação. Meryl Streep é forte demais, acho que faltou uma direção que não se amedrontasse tanto por essa força de estrela supernova e sugerisse mais fraquezas, interferindo na forma rígida e eficiente da atriz. Talvez por isso a sequência final me tenha soado pouco crível, um tanto forçada. O duelo entre os protagonistas demorou e nem foi tão escandaloso, mantém-se um certo ar de formalidade acadêmico-religiosa, de filmão sacro. Até porque Philip Seymour Hoffman é apenas correto o filme todo, o que não é ruim, mas também não é bom quando têm-se ao lado La Streep. O duelo real acontece entre a estrela e uma (até então) desconhecida coadjuvante, a Sra Viola Davis, que passa pelo filme ligeira, diz umas verdades indigestas e entrega uma performance emocional e arrasadora. De novo os "coadjuvantes" roubam a cena.

Miss Streep e Miss Davis na "cena do quadradinho" do oscar

Duas palavras...

2009-03-22T21:33:00.000-07:00

...sobre Milk: Sean Penn

Do começo ao fim Milk é a construção sincera de um ator absurdo, a entrega absoluta, o dom monstruoso da transformação. Quando eu crescer eu quero ser assim como Sean: perfeito. É pedir demais?

... sobre os shows do Radiohead no Brasil: Não Fui.

Se quase chorei assistindo pela TV a cabo, imagina se tivesse ido. A Marcinha me ligou do Rio pra dizer que o show foi incrível, que o som era pesado, que o palco era pura luz, que os vídeos eram alucinantes, que a voz do Thom York emociona...enfim, não deu...fica pra próxima.

...sobre o fim de semana: na paz.

Dormi pacas; fiz compras no Angeloni domingão; joguei Master (ganhei duas vezes); comecei a ler Hitchcock/Truffaut (livro de conversas entre os dois cineastas); assisti VH1, o único canal de TV que tenho visto, passou Seven Ages of Rock, série de documentários super legais, gostei mais do episódio 6 (Indie Rock, destaque emoção: Michael Stipe fala dos últimos dias de Kurt Cobain). Baixei O Lutador porque perdi no cinema. Amanhã é segunda, cheio de coisa pra fazer...

Obrigado Lages!

2009-03-22T08:21:00.000-07:00

As filmagens foram excelentes! Equipe afinadíssima, paisagens deslumbrantes, muita ação e aventura. Lages vai ficar pra sempre no meu coração, como uma cidade acolhedora e bonita, vou sentir até saudade. Do chalé na beira do rio com o mais lindo pôr-do-sol que eu já vi (descontando o ronco do "elenco secundário" que dividiu o quarto comigo), do meu dublê o Daniel ( o às da Variant), das pessoas legais (claro, nosso super "produtor local", Fernando Leão no topo da lista) e de tudo o mais que fez da experiência o maior barato.

O "elenco secundário" teve sua chance de mostrar trabalho, apesar dos problemas respiratórios.

Aquele ali não sou eu, é o Daniel, meu dublê para cenas de ação sobre 4 rodas.

Eu não quero dizer muita coisa, mas acho que o filme vai ficar lindo! E vai ser rápido, logo logo tá pronto, visto que o Marco é encarnado.

Ah tbém tem Ângelo, o Coveiro...em breve.

O casal sensação em uma das muitas sessões de foto para a imprensa.

começou.

2009-03-03T15:26:00.000-08:00

Amanhã, quarta-feira, começam as filmagens de Beijos de Arame-Farpado.
São tomadas em Florianópolis, ainda sem o Veludo.
Quinta vamos pra Lages.
Depois eu conto mais.

pagando pau

2009-02-24T20:10:00.000-08:00

Nem precisava de [mais um] oscar. Marlon Brando chegou a dizer que ele era "o melhor ator vivo". O que não é pouco visto que Brando é uma espécie de patriarca de uma linhagem brilhante de atores americanos. O melhor ator de sua geração...isso já virou até um clichê. Sean Penn é o cara. Estou deveras ansioso pra vê-lo em Milk, o Gus Van Sant que ainda não estreou na pequena e pacata cidade de Miracema do Norte. Imagino que esteja mesmo impecável.

de novo

2009-02-23T14:08:00.000-08:00

Heath: seu Coringa é a dor em forma de máscara

...tem também algo de solitário. Uma vez eu li um texto, não sei de quem, que falava de atores e de uma solidão em público. Boa essa imagem. Todos da equipe estão ao teu redor, todos te olham e te cuidam, sabem que a parada é meio sensível e que pra que o trabalho aconteça bem, é importante os atores bem. Teus colegas de cena estão contigo também, e existe essa tradição de cumplicidade entre atores, que se reconhecem como pertencentes a um tipo de coletivo, classe, tribo, linhagem perdida. Todos se imaginam dando cambalhotas em troca de um prato de comida, em algum buraco podre da idade média coberto de peste negra, e automaticamente se unem em solidariedade. O público então...facilmente se apaixona, fala a verdade...tem que ser um ator bem ruim pra não ter o mínimo, o mais essencial, a única coisa que não pode faltar: um mínimo de carisma, né gente? O básico. Me refiro a alguma qualidade atrativa, um encantamentozinho, senão não rola. Eu tô falando de atores mesmo, desses que através de técnica e personalidade se conectam com o público. E o público tem essa adorável tendência de gostar da gente, e por isso somos tão gratos, amamos tanto. Mas eu falava de solidão. Você não está sozinho nunca. Mas está [quase] sempre solitário. Isso que eu queria dizer. Que apesar de tanta companhia, é sempre um jogo íntimo. É sempre uma dúvida escondida. Um olhar pra dentro de mim e pra mim fora de mim. Sabe... ver como os outros me vêem. Esse negócio de ficar frágil. Atuar é sempre ter que resolver umas coisas que precisam ser mexidas de novo, e de novo...de novo isso de ter que me encontrar comigo.

Fim de semana muito louco!

2009-02-23T11:27:00.000-08:00

No final de semana passado estivemos em Lages, pérola do planalto, em trabalho de pré-produção e divulgação de Beijos de Arame-Farpado. Semana que vem partimos pras filmagens. Listo abaixo o ranking dos acontecimentos mais importantes da viagem:

- O carro do tião não tinha som, o que gerou a cantoria no veículo, com a "puxadora" oficial Julie Cristie. Sua versão de Menina Veneno uma oitava abaixo ainda ecoa em meus ouvidos.

...um abajur cor de cáquiiiiiiiii....

- A mesma referida co-star conseguiu perder o brinco verde que todos adorávamos. Ficamos muito tristes e perdemos até a fome por causa disso.

Pô Julie, sem brinco é f...!

- O Hotel Palace ficava bem em frente ao Paris Hotel e à sinuca anexa. Tinha TVa cabo e ruídos suspeitos durante a madrugada.

- Visitamos todas as locações e eu claro, dei minhas opiniões, as quais foram censuradas de maneira dura pelo diretor de produção.

"Quando eu mandar botar a placa vai parecer um palácio sim!"

- O Fernando Leão é o cara mais gente fina do meio-oeste.

Ele pediu pra não contar mas... ele tem medo de avião! Pronto, falei!

- A exibição de Veludo & Cacos-de-Vidro no SESC, contou com a presença da criançada e foi um sucesso. A RBS prestigiou o evento. Confira no vídeo abaixo:

- O passeio panorâmico de avião revelou uma destemida Julie Cristie. Eu sou mesmo um cagão!

Pára moço...páraaaaaaaaaa!

marco

2009-02-11T17:42:00.000-08:00

Ele vibra criação.

hunter thompson na cabeça

2009-02-10T07:50:00.000-08:00

Mr. Hunter S. Thompson, o tio do Veludo

O Marco me emprestou Las Vegas na Cabeça (Fear and Loathing in Las Vegas), o livro que Hunter Thompson publicou em 1971 e que se tornou o marco do jornalismo gonzo, essa escrita psicodélica que sacudiu as estruturas da literatura americana na época. A leitura é fascinante e flui de uma forma meio prazeirosa meio noiada, como uma viagem de ácido. Aliás drogas abundam, e também um clima quente e sufocante, uma certa decadência geral dos sentidos e dos caráteres e um humor negro como a noite do deserto. O livro virou o filme de Terry Gillian de 1998, com o Johnny Depp fazendo o narrador da história Raoul Duke, alter-ego de Thompson. Era pra sentir o clima das sequências do hotel, mas na real fiquei mais impressionado com o fluxo demencial do pensamento de Raoul. O botão do foda-se dele escangalhou e vive apertado, nisso liguei o cara ao Veludo. Depois, fazendo minhas pesquisas [sim, sou um ator muito dedicado], comecei a olhar pra cara [de pau] do Hunter Thompson e achei o Veludo [ou eu...hmm, preciso tomar meus remédios anti-esquizofrenia urgente] parecido com o cara, sei lá...Que? Porque tão me olhando desse jeito? Antes que pensem que eu ando usando drogas [mais do que o normal], vejam as fotos. Vou voltar à leitura que é melhor.

a esq: foi fazer uma matéria pra Rolling Stone, mas ficou doidão e escreveu um livro.

a dir: a prova de que a calvície de Veludo é genética

o bandido villaça

2009-02-09T04:48:00.000-08:00

Em 1968, quando fez O Bandido da Luz Vermelha, Paulo Villaça tinha a minha idade: 35. Como ator vivia o ponto máximo da carreira. Além de protagonizar o clássico de Sganzerla estreava nos palcos Navalha na Carne, primeira montagem da peça ícone de Plínio Marcos, e entrava pra história. Não dá pra desligar a imagem de Villaça do mito que se tornou o filme de Sganzerla. A composição primorosa oscila entre um certo cool style meio Nouvelle Vague, doses de deboche chanchadístico, violência primal contida e reflexão marginal subversiva. Belmondo tupiniquim, Villaça era o feio irresistível, o anti-herói demodê, o ator signo do seu tempo. Admiro seu trabalho no Bandido... pela inteligência com que entende a mise-en-scéne complexa de Sganzerla, jogando num registro inteiramente conectado com a linguagem do diretor. As marcações quando rígidas soam naturais, os improvisos são de ator entregue, os textos em of são interiorizados. Perfeito. Depois de 68, Paulo Villaça fez outros muitos filmes, peças e novelas, mas nunca foi realmente um ator popular, não que não quisesse, mas é que sua imagem sempre esteve ligada ao tipo esquisito, malvado, fora do padrão. Casou-se com atrizes famosas, mas nunca escondeu que gostava dos rapazes. Morreu em 92, naquela epidemia da AIDS que levou tantos bons. Fica aqui a homenagem a um ídolo. A performance inquietante de Villaça ainda ressoa e me inspira.

2 gênios: Villaça foi a síntese perfeita do imaginário complexo de Sganzerla

Quando a gente não pode fazer fazer nada a gente avacalha. Avacalha e se esculhamba.

no one is innocent

2009-02-06T08:53:00.000-08:00

Mr. Biggs abraça o castigo que recebeu pelo assalto ao trem pagador

Sabe o Biggs? O Ronald Biggs. O mais famoso e procurado assaltante de todos os tempos. Ele foi apenas um coadjuvante no célebre "assalto ao trem pagador", mas levou a fama. E deitou na cama. Deitou o cabelo da Inglaterra e veio ser celebridade no Brasil. Aqui viveu como um dos nossos senadores corruptos e que levam a vida na boa, sempre impunes. Só que claro, ele foi muito mais divertido. Fazendo minhas pesquisas, andei lendo o livro que o bandidão escreveu, de título bem singelo: "Minha Verdade". O Marco me emprestou. Bem chato o livro, escrita truncada e sempre autopiedoso, tentando manter a imagem de boa praça que foi levado ao mundo da trambecagem por causa da infância sofrida e blábláblá. A gente sabe que é tudo lorota. O cara era mesmo um espertalhão admirável. Muito sabão. Escapava, se disfarçava, se escondia em leis dúbias. Viveu na boa as benesses do grande roubo de 1963. Depois de velho resolveu voltar pra Inglaterra e se entregar. Outra esperteza. Levou pra isso uma bolada do tablóide The Sun. E vive a velhice, todo doente, às custa do governo inglês, sempre no bem bom. Biggs seu safado duma figa! Autêntico playboy popstar carioca o cara me grava músicas com o Sex Pistols. É dos meus! Dei urros de prazer ao descobrir o vídeo a seguir, sente só:

god save mr biggs

confissão oficial

2009-02-05T17:42:00.000-08:00

Sim, fui eu. Fui eu que roubei o vaso ming da madame. Eu mesmo. Foi fácil até. Vesti minha beca especial para assaltos furtivos e casamentos no civil [aquela que eu pareço o Bonnie&Clyde] e subi pelo telhado da mansão. Bem ninja. Tô em ótima forma. Tô sim! Tá rindo do quê? [...] Enfim, subi pelo telhado usando minhas técnicas de gatuno da alta roda e catei o vasinho da madame. Difícil acreditar que aquilo vale algum tutú, nem sei quanto, mas também não tô nem aí. Valeu mesmo foi o exercício e a emoção do lance. Peguei o tal do vaso, algumas outras coisitas do cofre, e pulei a janela. Confesso mesmo. Não deixei rastro, só o do meu cheirinho quentinho. A madame deve ter sentido, aposto que sentiu. Ela que fique esperta e guarde melhor seus badulaques valiosos. Vou plantar um pé de avenca naquele vaso de japa. [...]Bom, se deixei alguma criancinha traumatizada sinto muito, não foi minha intenção. É que eu adoro pirulito.

Madame Clica teve que tomar umas champanhas pra se recuperar do choque

Lages vai tremer

2009-02-04T14:37:00.000-08:00

...e não será a primeira vez. A cidade do velho oeste catarinense já foi cenário de tiros e perseguições implacáveis em bangbang's serranos produzidos por João Amorin -artista do rádio, cinema e TV- durante os 70 e 80. Inclusive o Marco (Martins) conseguiu trombar com o cara em Lages e cooptá-lo para uma participação especial em Beijos de Arame-Farpado! As filmagens por lá começam em março, mas por enquanto taí o trailer do clássico far-west do planalto serrano, ícone de uma geração gaudéria: Calibre 12.

punks desgraçados do inferno chegam pra avacalhar, mas o herói João Amorin mete bala

um pensamento sobre o lance de atuar

2009-02-04T07:13:00.000-08:00

O que realmente me mobiliza quando atuo não é nem a viagem egóica, auto-dirigida a mim mesmo, nem a impressão mágica de construção de um outro, distante de mim. O que me importa é transitar nesse espaço vazio, livre e amoral, algo entre o sujeito-ator e o objeto que se convencionou chamar personagem. Nessa fronteira possso olhar pra mim sem piedade, e olhar o outro com compreensão. Posso me desfazer e me recompor num corpo original. Encontrar a forma e perder o sentido, naquele instante em que a técnica se desfaz. É doloroso e patético isso de atuar. Mas procuro não perder de vista a criança que joga e que renasce a cada ação. Em inglês atuar é to play verbo que também é brincar, e também é jogar. Adoro nos créditos dos filmes antigos quando o elenco é indicado por the players, os jogadores. Me lembra o caráter lúdico, bobo e prazeiroso do ofício.

uma rajada de balas

2009-02-03T16:29:00.000-08:00

Bonnie & Clyde é um longa de 1967 (ê tempo bão!), dirigido por Arthur Penn e estrelado por uma dupla da pesada. Bonnie é Faye Dunaway, linda, loira e perigosa (lembro que eu tive medo dela quando vi Mamãezinha Querida, uma biografia não autorizada de Joan Crawford, que era uma mãe terrível e maltratava suas filhinhas inocentes). Clyde é o boa pinta Warren Beatty, que também era muito esperto. Reza a lenda que o estúdio não acreditava no projeto e por isso ofereceu uma proposta indecente pro então promissor jovem astro: em vez do cachê o cargo de produtor e uma participação de 40% nos lucros do filme, que supunham seria um fiasco. Resumindo: um ano depois do lançamento o filme já tinha rendido 80 milhões de doletas e o jovem ator era um milionário. Tá certo que depois ele afundou se aventurando em produções megalômanas, como Ishtar que custou 300 milhões e rendeu 10 mil réis, mas isso não vem ao caso...do que que eu tava falando mesmo? Ah do filme...pois é...

os panos da dupla são puro style

Bonnie & Clyde é a história romanceada do primeiro casal de bandidos popstars dos EUA, que em plena Depressão aterrorizou os estados do centro da América, roubando bancos, atirando em meganha e dominando os tablóides. O casal protagonista é cativante e glamouroso, fato que gerou revoltas conservadoras à época, visto que a gente torce mesmo é pelos dois outsiders, que fogem da miséria e do fracasso de um país em frangalhos usando dos meios que possuem. O filme é claramente influenciado pela Nouvelle Vague (o primeiro diretor contratado foi Truffault que saiu do projeto pra fazer seu Farenheit 451, obra prima de Sci-Fi), e é primoroso nas variações de tom, alternando humor, romance e violência gráfica de forma fluida, preparando o terreno pra uma virada politicamente incorreta no cinema americano dos anos 70.

os verdadeiros marginais: "Que barriguinha é essa Clyde?"

Um ano depois, em 68, no Brasil, Sganzerla faria seu Bandido da Luz Vermelha, mas isso é assunto pra depois.

o final do filme é barulhento e fica na cabeça. Não assista se não viu ainda, fica esperto!

Beijos de Arame-Farpado.

2009-01-20T17:56:00.000-08:00

Resolvi fazer esse blog, inspirado no meu personagem pop, o Veludo, de Veludo & Cacos-de-Vidro. É porque a gente vai fazer o segundo filme com os personagens: Beijos de Arame-Farpado. Logo, logo.

Meu plano é ter um lugar pra postar coisas legais. Referências do filme, reflexões cafajestes e outras coisas. Acho que isso me ajuda a pensar sobre o trabalho. Dividir com quem quiser também é legal.

É isso aí.

Beijos de Arame-Farpado

Ele voltará!